La Teosofía y el Nacimiento del Arte Moderno Abstracto.

La Teosofía y el Nacimiento del Arte Moderno Abstracto.

Kathleen Hall – Canadá

A finales del siglo diecinueve, surgió un movimiento en el arte que fue una respuesta a una conciencia más elevada de la verdad cósmica. El arte abstracto moderno era la manifestación visible de unos ideales espirituales profesados a través de las enseñanzas de la Teosofía y de otras sabidurías populares. Los artistas de este movimiento eran escribas que pintaban lo que no se podía decir con palabras.

La espiritualidad en el arte abstracto comenzó alrededor de 1890 y corrió en paralelo con un creciente interés por el misticismo y el ocultismo. Pero fue la Teosofía lo que tuvo una más profunda influencia en la aparición del arte abstracto moderno y, especialmente, en los padres fundadores del movimiento, Wassily Kandinsky, Frantisek Kupka, Piet Mondrian y Kazimer Malevich.

La Teosofía dio a estos artistas una perspectiva que se convirtió en el trabajo preparatorio fundamental de su espiritualidad. Partiendo desde este punto de vista, creían ser capaces de ver el mundo natural y más allá de él, así como de llegar a comprender la sabiduría antigua y los principios cósmicos de nuestra existencia. Esta elevada posición estratégica les transportaba a los cuatro por encima de las preocupaciones mundanas y les daba la sensación de tener una visión divina de los reinos de otros mundos.

Para ser comprendida satisfactoriamente, esa visión debía presentarse  en términos simples y relevantes, que más tarde podían desarrollarse y expandirse en complejas estructuras.

Wassily Kandinsky era un ávido estudiante de las enseñanzas ocultas y místicas. La Teosofía le proporcionó la estructura principal para sus lecciones de espiritualidad aunque, desde luego,  enriqueció sus estudios con otros materiales. A medida que se desarrollaba su conciencia espiritual,  también lo hacía su arte.

A medida que las enseñanzas Teosóficas sobre las formas de pensamiento y la correlación entre la vibración, el color y el sonido influían en su trabajo, empezó a dejar de confiar en la forma. El perfil, la línea y el color se convirtieron en sus instrumentos principales para crear imágenes visibles de acontecimientos invisibles del mundo astral.

Piet Mondrian, como Kandinsky, leyó extensa literatura sobre los conceptos espirituales. Su aprobación de la Teosofía fue claramente reconocida y solía referirse a ella cuando hablaba del contenido de sus obras. Sus ideas se expresaron primero a través del arte Simbolista, pero después, cuando empezó a explorar el uso de color como medio de proyectar la esencia interior de un objeto de apariencia visible, su obra empezó a cambiar. Su único objetivo se convirtió en la reducción de la forma a unos simples contrastes de línea y de color para significar la unidad entre opuestos: masculino y femenino, estático y dinámico, espíritu y materia. Las formas geométricas y los colores primarios acabarían siendo su marca registrada, representando, en términos simples, la enormemente compleja estructura espiritual del universo.

 

[El artículo apareció originalmente en Quest: Revista de la Sociedad Teosófica de América]

http://www.theosophyforward.com/theosophy-and-the-emergence-of-modern-abstract-art-.html

 

LA TEOSOFÍA Y EL PRIMER ARTE ABSTRACTO

 

Kandinsky, Mondrian, Kupka o Malevich fueron artistas muy cercanos al mundo de la teosofía, curiosamente los grandes iniciadores del arte abstracto en el siglo XX.

Esta corriente filosófica-religiosa nace en el siglo XIX de la mano de Madame Petrovna Helena Blavatsky (espiritista ucraniana) y Heney Steel que crearon la Hermandad de Luxor más tarde reconvertida en Sociedad Teosófica, pronto compuesta por espiritualistas, masones y más tarde aristócratas e intelectuales.

En realidad el concepto teosofía hunde sus raíces en la historia de la filosofía, existiendo numerosos ejemplos en el mundo antiguo (el propio neoplatonismo es una opción teosófica) y moderna (Paracelso), pues se trata de una actitud más que una verdadera doctrina.

La teosofía pretende una integración de los aspectos más espirituales (actitudes místicas y gnósticas) de las distintas religiones, intentando llegar a una síntesis que huye de nombres, ritos y dogmas para fijar su atención en los aspectos más  éticos.

Como se planteará en sus orígenes se trata de una superación de las diferencias generadas por el desarrollo histórico de las religiones (la misma verdad bajo distintas formas) para buscar las fuentes espirituales, dejando entrar en su pensamiento los tradicionales monoteísmos pero también el ocultismo, las religiones mistéricas antiguas o la magia natural, con un fuerte ingrediente de filosofía oriental y su insistencia en la armonía entre hombre y naturaleza, su fuerte conciencia ética o el trabajo individual como técnica de iluminación interior.

Toda esta teoría se empieza a infiltrar en el mundo artístico en el simbolismo, estilo que pretende luchar contra la progresiva fenomenología de las artes plásticas (como sería el impresionismo) para dar contenidos espirituales a la obra artística.

Con la eclosión de las vanguardias esta intención ética del arte se impone especialmente fuera del ámbito francés.

Primero en su versión negativa, de denuncia, en el expresionismo; más tarde de una manera mucho más consciente en los grandes iniciadores del arte abstracto.

Posiblemente el primero en integrarla y desarrollarla será  Kandinsky que, pasó del fauvismo inicial a una conciencia del arte como regenerador ético de la Humanidad.

Para ello renunció al tema y más tarde a la realidad visible para internarse en la verdadera esencia, lo que él mismo la realidad interior. Un mundo dominado por el color y la forma e íntimamente unido a la música por medio de la sinestesia.

Sus obras se convierten así en objetos de meditación y trascendencia en donde el espectador puede comenzar a ser consciente de nuevas realidades, “darse cuenta”, ampliando así su visión y procediendo a un mejoramiento interno.

Todas estas ideas fueron ampliamente estudiadas por el autor en su famoso ensayo “Sobre lo espiritual en el arte”

Mondrian también perteneció al mundo teosófico, fuerte influido por el neoplatonista  matemático Schoenmaekers.

Su estilo, el neoplasticismo, intentaba ir un punto más allá de lo que hiciera Kandinsky, y huir de lo individual para intentar un arte expandido (que no se limitara a la pintura, sino llegar al diseño y la arquitectura) que , como ya intentara el modernismo, envolviera al hombre y le permitiera un acceso a niveles superiores de conciencia.

Es, por tanto, un arte profundamente social, que busca una regeneración espiritual de la humanidad por medio de un entorno minuciosamente construido y coloreado.

Para ello también se desembarazó de la realidad para buscar un arte puro tan sólo compuesto de líneas rectas y colores simples en un intento de llegar a la expresión de las verdades absolutas (aquí se encuentra muy presente su influencia neoplatónica que, como ya ocurriera en el Renacimiento, encuentra en la matemática, la geometría y las relaciones de proporción una manera de búsqueda de la armonía, tanto celestial como humana, pues ambos mundos se encuentran plenamente relacionados para el que sepa mirar, el macrocosmos y el microcosmos).


Toda esta formulación de un arte sanador (en el aspecto espiritual) tendrá una segunda eclosión tras la segunda Guerra Mundial, cuando las religiones orientales (y en especial  el zen) tengan una fuerte influencia en el arte, tanto en la zona americana (como la obra de Rothko) como en la europea (Klein)

         

 

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Graffiti. Basquiat

 

La vida de Jean-Michel Basquiat  se asemeja a un drama clásico con planteamiento, nudo y desenlace, muy próximo al mito griego de Ícaro. Y por tanto,  una vida “de cine”. Todo comienza con su despegue:  nace en 1960 en Brooklyn de madre portorriqueña y padre haitiano.  Se escapa varias veces de su casa y en 1978 decide irse a Nueva York con una idea fija en la cabeza: convertirse en alguien famoso.

Su vuelo dura casi diez años. A principio no alcanza mucha altura, sin dinero y sin amigos, durmiendo donde puede, comienza sus grafitis bajo el nombre de SAMO (Same Old Shit), comienza a salir, conocer gente (Madonna, Debbie Harry…) y monta un grupo de punk llamado Gray con Vincent Gallo. De la noche a la mañana todo el mundo le conoce y decide pintar postales y venderlas (Andy Warhol le llega a comprar algunas aún sin conocerse (anécdota recogida en la película).  Animado por su compañera del momento que le aloja en su casa comienza a pintar donde puede, sobre puertas recogidas de la basura, en el frigorífico, en las paredes del apartamento. Todo soporte es válido para el artista.

Es la época de sus siguientes influencias: el hip hop, el jazz, el punk y el pop art. Hasta que un conocido galerista percibe el talento, le anima a pintar en su taller y organiza su primera exposición. Éxito apoteósico y Jean-Michel Basquiat pasa de vivir en la calle a alquilar un apartamento de 450 metros. La altura a la que vuela es ya muy considerable.

Warhol & Basquiat

Y llega el final. Empiezan los problemas con la heroína,  se vuelve reservado y se siente rechazado por su condición de afro-americano. Pero todavía no se ha quemado. Cada vez se acerca más al astro rey de la época, Andy Warhol, se hacen amigos y hasta realizan una exposición conjunta que obtiene pésimas críticas. Y a partir de ese momento se produce la caída que acaba con una sobredosis el 12 de agosto de 1988.  Nadie había volado tan alto en tan poco.

Basquiat, de Julian Schnabel

Ficha Técnica
1996. EEUU.
106 min.
Director y guión: Julian Schnabel
Fotografía: Ron Fortunato
Música: Charlie Parker, Tom Waits
Reparto: Jeffrey Wright, David Bowie, Dennis Hopper, Gary Oldman, Courtney Love, Benicio del Toro, Willem Dafoe, Michael Wincott, Claire Forlani, Parker Posey, Tatum O’Neal, Sam Rockwell, Christopher Walken.

En grandes pinceladas ( no podría ser de otra forma, tratándose  de un pintor)  a través de esta película de también  conocemos al Basquiat bohemio, enemigo de la sociedad de la clase media burguesa;  sus comienzos como artista de graffiti bajo el pseudónimo «Samo»; su fascinación con la subcultura de las drogas; su repentino estrellato; su amistad con Andy Warhol; y su atormentada relación con su madre, paciente mental que reside en un convento.

Exitoso debut como realizador del pintor Julian Schnabel, quien nos proyecta la vida y época del excéntrico artista a quien el New York Times llamara «el James Dean del mundo del arte». Apoyado por un reparto fabuloso (Benicio del Toro, David Bowie en el papel de Andy Warhol o Dennis Hopper en el papel de galerista) y una banda sonora soberbia (Tom Waits,  Charlie Parker)   Schnabel retrata el conflicto entre un genio rebelde incomprendido y la sociedad materialista que le rodea en el muy singular mundo del arte neoyorkino.

Visualmente, aparte de reiterar  el prejuicio del artista drogadicto y afortunado,   la cinta refleja el trasfondo pictórico y el ego  de su propio  director, también con una meteórica ascensión al estrellato artístico mundial en unos pocos años que le ha permitido la fama suficiente para  lanzarse al mundo del cine con otras películas como “Antes que anochezca”,  otro tormentoso e irregular   biopic,  en este caso sobre el escritor cubano Reynaldo Arenas,  interpretado , eso sí, magistralmente por nuestro Javier Bardem.

Aparte de la película de Schnabel,  Tamra Davis,  una curtida realizadora en la popular serie televisiva Anatomía de Grey y muchas otras series,  es autora de un premiado documental en el Festival de Sundance  sobre su amigo, Jean-Michel Basquiat:  The Radiant Child. Aquí nos muestra al artista real, sin trampa ni cartón…

 

BANSKY

Análisis de una obra de arte

Páginas web comentarios

De manera muy resumida, un comentario debe tener los siguientes apartados (los números no deben aparecer):

  • Descripción: qué es (arquitectura, escultura, pintura,…), lugar donde se encuentra (en una plaza, en un frontón,…), estado de conservación. Se puede indicar el nombre de la obra y autor. Esta parte es muy breve, un párrafo con varias líneas solamente.
  • Aspectos materiales y técnicos: de qué está hecha esta obra de arte (mármol, madera, bronce,…) y cómo se ha elaborado (pintura al fresco, con andamiaje de madera, con soldadura, hormigón,…). Esta parte debe ser extensa sólo si la obra comentada se localiza en el periodo en el que se inventa dicha técnica: la pintura al óleo con los pintores flamencos, la pintura al aire libre con los impresionistas, la construcción de piedra en las pirámides egipcias, la técnica de las vidrieras en el Gótico, el fresco en el Trecento… No tiene demasiado sentido extenderse en la técnica del óleo hablando sobre una pintura de David, por ejemplo.
  • Análisis formal. Descripción pormenorizada de todos los elementos observados y, en segundo lugar, también de los que no vemos, pero sabemos que están ahí y son importantes (en una fachada, nos extendemos sobre esta, pero sin renunciar a nombrarlos aspectos formales más destacados del interior). En arquitectura: elementos sustentantes, elementos sostenidos y elementos ornamentales. En escultura y pintura idealismo-realismo, formas esquemáticas-detalladas, composición abierta, cerrada, simétrica,… Es fundamental utilizar un lenguaje técnico apropiado a dicho análisis.
  • Comentario o explicación de todo lo anterior, basándonos en la época, y lugar, en la que surge dicha obra. Explicamos el tema en escultura y pintura. No consiste en colocar aquí la realidad económica, social, etc. de la época como un añadido aparte; sino de unir las formas analizadas con dicha realidad (el tamaño de las pirámides con el poder del faraón, las catedrales góticas con el fervor religioso y con el renacer urbano, las pinturas negras de Goya con la guerra y la miseria de España en esa época, la torre Eiffel con la Revolución Industrial,…). En este sentido, este apartado a veces se desarrolla al mismo tiempo que se va haciendo el anterior. Se debe situar la obra estudiada dentro de la obra del autor, comparándola con otras anteriores o posteriores si son de diferente estilo; tambiéndentro del estilo general al que pertenece, comparándola, si es necesario, con otros artistas de dicho estilo.
  • Por último, y dependiendo de la relevancia de este apartado para cada obra, se puede terminar haciendo referencia a las posibles restauraciones o modificaciones que haya sufrido la obra y su situación actual.

guia-basica-para-analizar-una-pintura

Análisis de una escultura

https://nopuedonodebo.wordpress.com/2014/09/10/la-escultura-contemporanea/

Ejemplo: el-rey-y-la-reina

Análisis formal de la obra escultórica
1. Descripción de los materiales
– Tipo
· Piedra / Barro / Madera / Marfil / Etc.
– Características de los materiales
– Textura o acabado
· Liso / Rugoso / Etc.

Descripción de la técnica
– Técnica empleada
· Tallado / Fundido / Modelado / Etc.
· Grado de detalles

– Descripción de su forma.
Cerrada / Abierta
Geométrica (cuerpos geométricos) / Orgánica / Etc.
Frontalidad / Tridimensionalidad
· Grado de figuración / abstracción
· Estudio anatómico
· Estudio de los paños
· Estudio del contraposto

– Descripción de sus elementos
· Volumen
Espacio ocupado
Macizo / Hueco
Pesadez / Ligereza
· Luz
Juego de luces y sombras
· Color
Natural / Policromía / Etc.

Otro modelo:

 GUIÓN PARA ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARQUITECTURA

1.- DESCRIPCIÓN:

2.- ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS:

2.1- Localización

2.2.- Materiales constructivos

2.3.- Elementos sustentantes

2.4.- Elementos sustentados

2.5.- Ornamentación

2.6.- Planta

2.7.- Alzado

2.8.- Iluminación

3.- COMENTARIO: ASPECTOS PERSONALES, SOCIALES E HISTÓRICOS

3.1.- Identificación

3.2.- Función y significado

3.3.- Contexto histórico

GUIÓN PARA ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE ESCULTURA

1.- DESCRIPCIÓN

2.- ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS

2.1. Tipo de escultura y localización

2.2.- Materia y técnica utilizadas

2.3.- Acabado, textura y policromía

2.4.- Elementos formales

2.5.- Luz

2.6.- Reposo y movimiento

2.7.- Volumen y peso

  1. a) En escultura exenta
  2. b) En relieve

2.8.- Situación del espectador

2.9.- Representación espacial del relieve: Profundidad

2.10.- Composición

  1. a) En escultura exenta
  2. b) En relieve

3.- COMENTARIO: ASPECTOS ICONOLÓGICOS, PERSONALES, SOCIALES E HISTÓRICOS

3.1.- Identificación

3.2.- Tema y argumento

3.3.- Función y significado

3.4- Contexto histórico

GUIÓN PARA ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE PINTURA.

1.- DESCRIPCIÓN

2.- ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS

2.1.- Aspectos materiales: soporte, técnica y textura

2.2.- Formas

2.3.- Luz

2.4.- Color

2.5.- Volumen de las formas

2.6.- Profundidad

2.7.- Estructura interna

  1. a) Construcción y composición
  2. b) Tensión
  3. c) Movimiento
  4. d) Ritmo
  5. e) Armonía

3.-COMENTARIO: ASPECTOS ICONOLÓGICOS, PERSONALES, SOCIALES E HISTÓRICOS

3.1.- Identificación

3.2.- Tema y argumento

3.3.- Función y significado

3.4.- Contexto histórico

PAGINA CON EJEMPLOS DE ANALISIS DE OBRAS DE ARTE

 

25-LOS AÑOS 2000-2013

APUNTES TEMA 12 BLOQUE 12

Algunos enlaces relacionados con lo arquitectos:

http://timberplan.es/frank-gehry-obras-imprescindibles-del-arquitecto-del-movimiento/

http://www.reto2030.eu/export/download/descargas_web_agenda_ciudadana/NORMAN_FOSTER_ES.pdf

http://www.culturavia.com/blog/2016/02/23/frank-gehry-obras-mas-importantes/

http://moovemag.com/2016/04/zaha-hadid-vida-y-obra-de-la-arquitecta-que-lo-cambio-todo/

http://www.paredro.com/8-complejos-y-contradictorios-edificios-de-la-arquitectura-posmoderna/2/